Las nuevas pinturas de Frank Bowling son asuntos familiares

LONDRES – En una tarde reciente detrás de una puerta desaliñada en el sur de Londres, se estaban produciendo notables transformaciones alquímicas bajo la atenta mirada del pintor Frank Bowling. Con máscaras industriales, un equipo de asistentes cepilló y vertió amoníaco, polvo de oro, gel acrílico y agua en un lienzo que goteaba colgado en la pared del estudio de Bowling.

Luciendo elegante con un sombrero fedora y una chaqueta de terciopelo verde, el artista de 87 años dirigió los procedimientos desde una silla de ruedas en el centro de la habitación.

“Ponga gel en los bordes del cuadrado. No, lo estás poniendo en el piso “, dijo Bowling, guiando la acción en el lienzo con un puntero láser. “Espolvoree eso con el oro. Cepille el agua por todas partes. “

“Encantador”, agregó. “Ahora tira lo que queda en el cubo a la superficie. “

Bowling en su estudio de Londres con este nieto, Samson Sahmland-Bowling, a la izquierda, y su hijo, Ben Bowling. Crédito. . . Frank Bowling / Artists Rights Society (ARS), Nueva York / DACS, Londres; Suzanne Plunkett para The New York Times

Bowling puede ladrar órdenes a sus asistentes de una manera tan directa porque son, de hecho, su familia: su hijo, Ben Bowling; su hijastra, Marcia Scott; y su nieto, Samson Sahmland-Bowling. Su esposa, la artista textil Rachel Scott, hace bordes coloridos alrededor de sus obras pegando y engrapando tiras de lienzo pintadas.

A lo largo de la mayor parte de su carrera, a partir de la década de 1950, Bowling creó él mismo sus trabajos físicamente exigentes. Pero debido a la frágil salud durante la última década, ha cedido cada vez más el trabajo de pintar a los miembros de la familia, aunque controla cada detalle, desde el tamaño y la posición del lienzo hasta la mezcla de pigmentos, capas de capas y la aplicación de materiales.

Quedó claro por las bromas afables en el estudio que Bowling disfruta de estas sesiones familiares intergeneracionales.

“Oh, sí”, dijo en una entrevista. “Me divierto con eso. ”

Después de muchos años en el desierto del mundo del arte, Bowling está disfrutando de una oleada de reconocimiento tardío. En 2019, Tate Britain en Londres realizó una gran retrospectiva; del 5 de mayo al 30 de julio, Hauser y Wirth presentarán “Londres / Nueva York”, una única exposición que se extiende por sus galerías en ambas ciudades.

La presentación transatlántica del espectáculo de Hauser y Wirth se adapta a un artista que ha forjado una carrera entre Gran Bretaña y Estados Unidos y un lenguaje visual que se basa en las tradiciones de la pintura de paisajes inglesa y el expresionismo abstracto estadounidense.

Nacido en 1934 en Guyana, entonces una colonia británica, la larga carrera de Bowling ha atravesado muchos estilos, incluida la figuración expresiva, el arte pop y la pintura Color Field. Es mejor conocido por sus “Pinturas de mapas”, que fusionan panoramas de colores estampados con mapas tenues de Guyana, África y América del Sur; sus vigorosas cascadas de pigmento conocidas como “Pinturas vertidas”; y sus relieves casi escultóricos, densamente incrustados con objetos cotidianos desde joyas hasta juguetes de plástico.

Aunque no son representativos, sus pinturas son documentos de su vida.

Bowling llegó a Gran Bretaña en 1953, a los 19 años, y ganó un lugar en el Royal College of Art, donde estudió junto a David Hockney y R. B. Kitaj. Sus primeras pinturas tienen la sensación cruda y torturada de Francis Bacon, quien fue brevemente un amigo, pero cuando se graduó en 1962, Bowling estaba creando composiciones geométricas vibrantes con una estética Pop Art.

Estos trabajos fueron éxitos entre los críticos de Londres, pero cuando la atención internacional llegó con una invitación para representar a Gran Bretaña en el Festival Mundial de Artes Negras de 1966, en Senegal, Bowling dijo que estaba molesto.

Una serie de naciones se había independizado recientemente del dominio colonial, y el festival era una celebración de la cultura panafricana, que reunía a artistas, músicos, escritores e intérpretes de la diáspora africana, incluidos Duke Ellington y Josephine Baker. Sin embargo, Bowling sintió que estaba siendo cooptado por el establecimiento artístico de Gran Bretaña y empujado a un papel no deseado como artista británico negro, dijo.

“El imperio se había derrumbado. Todo el asunto de tratar de aplacar a los antiguos pueblos coloniales, mi arte de repente sirvió para ese propósito ”, dijo Bowling.

Zoé Whitley, co-curadora de la exposición histórica de 2017 de Tate Modern “Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power”, dijo en un correo electrónico que Bowling “siempre tuvo una relación compleja con el imperio, la raza y las etiquetas de identificación otro tipo que no sea ‘artista. ’”

“Esa resistencia al encasillamiento, aunque confunde a muchos, podría ser solo uno de los rasgos de carácter que presagia las seis décadas de Frank rompiendo moldes”, agregó.

Su giro hacia la abstracción cuando se mudó a Nueva York en 1966 es solo un ejemplo de la carrera de los bolos contra la corriente. Durante el movimiento por los derechos civiles, muchos artistas de color estaban creando obras figurativas que trataban de la experiencia negra. Pero Bowling estaba interesado en pintores como Mark Rothko, Barnett Newman y Morris Louis, cuyas influencias sintetizó en su propio estilo distintivo, incorporando motivos de cremalleras y campos de colores de ensueño.

“Todos estos trucos o inventos, o descubrimientos técnicos en mi trabajo, están informados por la osadía de los expresionistas abstractos”, dijo Bowling.

En artículos de revistas, Bowling defendió el derecho de los artistas negros a centrarse en la estética sobre la política, y colaboró ​​con otros pintores abstractos negros para organizar la muestra colectiva “5 + 1” en las galerías de la Universidad Estatal de Nueva York en Stony. Arroyo; en 1971, tuvo una exposición individual en el Whitney. Mientras tanto, Bowling estaba experimentando obsesivamente con el color, untando, rociando, tiñendo, salpicándolo, juntando y cortando las obras.

Comenzó a usar una plataforma basculante de madera de construcción propia para verter pintura sobre un lienzo elevado, cambiando la dirección y la velocidad del flujo para permitir lo que él llamó “accidentes controlados” para dar forma a las obras.

“Hay un tipo de exuberancia extática increíble en esas obras que es simplemente palpable y transformador”, dijo la artista estadounidense Julie Mehretu por teléfono desde Nueva York. Mehretu dijo que su actual exposición individual en el Whitney, hasta el 8 de agosto, se sintió como un reconocimiento de la importancia de la abstracción después de los esfuerzos de Bowling y otros para luchar en su esquina.

Ella estaba en deuda con “todos esos artistas, y todos esos años de trabajo, y una insistencia, persistencia e invención en esa forma”, agregó.

A pesar del éxito en los Estados Unidos, Bowling luchó por conseguir exhibiciones en Gran Bretaña cuando los compromisos familiares lo trajeron de regreso en 1975 (mantuvo su estudio en Nueva York y ha viajado de un lado a otro, trabajando entre ambas ciudades, desde entonces).

Sin embargo, la oscuridad en Gran Bretaña le dio la libertad de innovar, lo que resultó en algunas de sus obras más audaces.

Sus pinturas del “Gran Támesis” de finales de los 80, por ejemplo, son obras muy construidas que combinan pigmento metálico, espuma acrílica, polvo perlado y miscelánea autobiográfica, como soportes para pastillas y tiras reactivas para análisis de orina, que Bowling utiliza para tratar su diabetes. . Estos abundantes paisajes fluviales tienen la luminosidad y el drama de J. M. W. Turner y el rigor de John Constable, dos pintores ingleses que Bowling admira.

A principios de siglo, el artista estaba atrayendo más atención: en 2005, Bowling se convirtió en el primer artista británico negro elegido para formar parte de la prestigiosa Royal Academy of Arts de Londres. Es una tradición que nuevos miembros de la institución, llamados “académicos”, entreguen una de sus obras a su colección. En un desaire sin precedentes, sus miembros inicialmente rechazaron la oferta de Bowling.

El artista Isaac Julien dijo en una entrevista telefónica que la recepción de Bowling en Gran Bretaña se había visto afectada por un “racismo profundamente estructurado” que llevó a un “abandono significativo” de sus obras. Los bolos siempre han sido un modelo a seguir para él, dijo, y agregó que la confianza en sí mismo del artista mayor y su capacidad para soportar tribulaciones sin darse por vencido era una “lección de vida extraordinaria”. ”

En esta entrevista, Bowling prefirió no hablar de raza; quería hablar de pintura, que domina sus pensamientos de vigilia. Incluso de noche, dijo, se acuesta despierto en la cama e imagina que sus lienzos se juntan en el techo.

Traducir esas visiones a forma física ahora recae en su familia de ayudantes, pero esta nueva forma de trabajar no ha hecho nada para calmar su apetito por la toma de riesgos.

“Lovelock’s Whole Earth”, terminado en marzo, es una deslumbrante variedad de tonos fucsia, magenta, violeta y naranja fluorescente. El trabajo tardó un mes en secarse después de que Ben, su hijo y Marcia, su hijastra, empaparon el lienzo con el contenido de cubos de pintura a medio usar, luego se aplicaron gel acrílico, polvo de oro y amoníaco (que convirtió el oro en índigo). .

Para absorber el líquido, arrojaron un cargador triturado y montones de material de empaque sobre la superficie inundada, junto con bolsas de desechos tóxicos, estuches de jeringas y otros detritos recolectados por Bowling durante una visita reciente al hospital. Cuando el matorral de material de embalaje se negó a aplanarse, lo tomaron con un soplete.

“Ciertamente estaba ansioso de que la pintura no funcionara”, dijo Ben, “pero Frank dijo: ‘¡No, no, no! No estamos fallando. ’”

“Frank tiene agallas reales”, dijo Marcia, y agregó: “Todos los días la pintura cambia y tú te enfrentas a ella. “

Bowling, que todavía va al estudio a diario, miró con satisfacción los lienzos atmosféricos que cubrían las paredes. “He tenido momentos en los que desearía haber podido hacerlo yo mismo”, dijo. “Pero lo que se ha hecho me hace sentir bien. “